A suivre...

The wrestler

L’heure de la retraite n’a pas encore sonné pour Depardieu. Delépine et Kervern lui offrent une seconde jeunesse bien méritée dans ce Mammuth dégraissé, touchant et férocement drôle.

 Mon avis: Benoît Delépine et Gustave Kervern ont de l’esprit, du bon et du joyeusement mauvais. Faire un film intitulé Mammuth avec en vedette l’un des derniers dinosaures du cinéma français en est une preuve réjouissante. Si nos deux frères grolandais délaissent quelque peu leurs velléités anarchistes, sans toutefois renier leur attachement à des figures marginales de notre société, c’est avant tout dans un but purement cinéphilique : déclarer leur flamme à notre Gégé national. Un peu à la manière de Darren Aronofsky pour Mickey Rourke, les deux cinéastes filment sans pudeur la vieille carcasse d’Obélix et l’on assiste, grâce à ce nouveau regard, à la renaissance pure et simple de l’acteur le plus doué de sa génération. Il y a d’ailleurs quelques similitudes entre le fraîchement retraité Serge Pilardosse et le catcheur tragique américain. Dès le début du film, la chevelure blonde peroxydée de Depardieu est retenue par une charlotte hygiénique, comme celle de Rourke dans The wrestler. Les deux hommes travaillent dans l’alimentation et le vestiaire de l’entreprise d’équarrissage de porcs de Pilardosse pourrait très bien être celui d’une salle de catch de province. Mais surtout ce sont deux hommes fatigués, usés par la vie, replongeant dans leur passé pour fuir une retraite dont ils ne savent que faire.

Cependant, la grande différence entre Rourke et Depardieu, c’est que le second, contrairement au premier, n’avait pas disparu de la circulation. Il était simplement sous-employé, cantonné à des apparitions clins d’œil plus ou moins réussis, servant de caution artistique chez ses potes cinéastes, Chabrol mis à part. Cette présence fantomatique est peut-être plus grave que le fait de ne pas tourner car elle développe une sorte de caricature de l’acteur à laquelle le public finit par s’habituer, avec ce sous-entendu terrible : « il ne nous apportera plus que ce genre de choses ». L’objectif des deux auteurs est de briser cet état de fait. A l’instar de leur personnage, ils remontent le temps pour offrir au grand Gérard une seconde jeunesse. Ils partent de la caricature symbolique peu flatteuse qui associe l’acteur à la figure porcine en sachant bien que le comportement « rustique » et les prestations télévisuelles avinées de l’acteur font partie de l’inconscient collectif. Cette image vole ensuite en éclats pour nous prouver que, oui, Depardieu a encore beaucoup de choses à nous apporter. Son interprétation de ce personnage qui s’ouvre sur le monde, naïf sans être idiot et ayant gardé une part enfantine salutaire, est tout bonnement magistrale. Il honore un rôle en or, celui d’un homme inadapté à son environnement, que le travail a peu à peu déconnecté du monde, et qui refait enfin ses premiers pas avec la maladresse touchante d’un « mammouth » dans un magasin de porcelaine.



Ce titre est également symptomatique de l’évolution du duo Delépine/Kervern qui, après le carton de Louise-Michel et le succès de ce quatrième long-métrage, s’affirme de plus en plus comme une alternative de choix face aux poids lourds sans génie de la comédie française, celle-là même dans laquelle Depardieu s’est souvent vautré. Et cela sans vendre leurs âmes au diable mais en restant fidèles à une exigence artistique en accord avec leur soif de liberté. Certes le schéma n’a pas changé depuis Aaltra, celui d’un road movie picaresque dans lequel les figures défilent le temps d’une scène (d’où l’imposant casting) pour au final créer un tableau ou patchwork surréaliste mais politisé de notre société. Peu importe. Tant qu’ils auront ce savoir-faire efficace, cet humour corrosif nécessaire, cette sensibilité et cette tendresse humaine, qui se nichent parfois dans le détail et l’anodin, alors, aussi étonnant que cela puise paraître à certains, les salles continueront de se remplir. C’est tout le mal qu’on leur souhaite.

"Mammuth" de B.Delépine et G. Kervern, avec G.Depardieu et Yolande Moreau, en DVD et Blu-ray depuis début novembre.

Le champ des possibles

Les coulisses de Woodstock. Une odyssée passionnante au coeur de l’un des événements les plus importants du XXe siècle. Peace !

Le pitch : 1969. Elliot, décorateur d’intérieur à Greenwich Village, traverse une mauvaise passe et doit retourner vivre chez ses parents, dans le nord de l’État de New York, où il tente de reprendre en mains la gestion de leur motel délabré. Menacé de saisie, le père d’Elliot veut incendier le bâtiment sans même en avoir payé l’assurance alors qu’Elliot se demande encore comment il va enfin pouvoir annoncer qu’il est gay...Alors que la situation est tout simplement catastrophique, il apprend qu’une bourgade voisine refuse finalement d’accueillir un festival de musique hippie. Voyant là une opportunité inespérée, Elliot appelle les producteurs. Trois semaines plus tard, 500 000 personnes envahissent le champ de son voisin et Elliot se retrouve embarqué dans l’aventure qui va changer pour toujours sa vie et celle de toute une génération.

Mon avis : Pour fêter les 40 ans de Woodstock, il fallait bien un film en plus des livres, DVD et autres rééditions CD qui fleurissent depuis le début de l’année. La récupération commerciale d’un événement gratuit prônant des valeurs libertaires peut sembler cynique pour certains mais, au final, il se dégage de toutes ces opérations un profond sentiment de respect envers ces trois jours éternels qui marquèrent à la fois l’avènement, l’aboutissement et la fin des idéaux hippies. Pendant trois jours, Woodstock fut le catalyseur de l’énergie du Flower Power avant la terrible gueule de bois des années 70 et le brusque retour aux « réalités ».
Ce long-métrage, adapté des mémoires d’Elliot Tiber et confié aux mains expertes d’Ang Lee, propose une reconstitution minutieuse des coulisses du festival, de l’effervescence des débuts à la mélancolie terminale. Disons-le immédiatement afin d’éviter tout malentendu, le parti pris du film est de se limiter à ces coulisses. Pas d’extrait de concert donc et surtout pas de Jamie Foxx en Jimi Hendrix ou de Philip Seymour Hoffman en Joe Cocker ! Nous n’apercevrons la scène que de très loin et n’entendrons la musique live qu’en sourdine. On peut le regretter mais on peut aussi très bien s’en accommoder car l’enjeu du film est ailleurs. Ce que Lee s’évertue à reproduire, avec un savoir-faire et une efficacité remarquable, c’est le calme avant la tempête, la montée en puissance, l’ébullition enivrante, le chaos acide et finalement la descente neurasthénique qui ont caractérisé l’organisation titanesque de ces concerts historiques. Le titre original, Taking Woodstock (Envahir Woodstock), illustre parfaitement le déroulement des événements. Pour nous faire ressentir cette invasion de plus de 500 000 personnes, le cinéaste utilise des procédés judicieux, notamment quelques plans séquences très réussis qui nous permettent de déambuler dans ce joyeux foutoir, et le fameux split screen, qui émaillait déjà le documentaire mythique Woodstock, et qui ici met en avant les tâches logistiques laborieuses mais plus que nécessaires.

Faire un film sur Woodstock c’est aussi prendre le risque d’affronter les lieux communs inhérents à la mythologie hippie tels que les partouzes dans la boue, les jeunes abrutis par les drogues, la naïveté béate de l’esprit peace and love, autant de tartes à la crème qu’il faut savoir esquiver afin de traiter le sujet avec pertinence, sans céder à la tentation caricaturale. De ce point de vue, Ang Lee s’en sort très bien et jongle habilement avec les poncifs. Le meilleur exemple reste cette scène admirable du trip expérimental aux acides dans un van, scène initiatique touchante exempte de tout cynisme qui aurait pu facilement basculer dans le grand guignol.
Mais, si le film parvient effectivement à capter le souffle générationnel qui anima un demi-million de personnes, il peine en revanche à représenter l’implosion familiale du personnage principal. Les scènes domestiques sont convenues et frisent parfois inutilement l’hystérie. En revanche l’homosexualité d’Elliot est traitée de manière délicate, sans être soulignée malgré son évidente importance aux yeux du cinéaste. Une importance accrue par le fait que la cause gay ne soit étonnamment pas systématiquement citée lorsque l’on parle des différents tabous brisés par la révolution hippie...

Enfin Lee a l’intelligence de refermer cette parenthèse enchantée par l’évocation du tristement célèbre concert gratuit des Stones à Altamont quelques temps après Woodstock. Bilan : un mort et des millions d’illusions perdues. Mais ça, c’est une autre histoire.

Illustration: PADLS