A suivre...

The never ending series

Combien de saisons une série doit-elle durer ? A quel moment commence-t-elle à tourner en rond ? Faut-il abandonner une série qui a déjà tout dit et rester sur un goût d’inachevé ou bien se faire violence pour connaître la fin à tout prix ? Autant de questions existentielles et de drames cornéliens pour nous autres, pauvres hères, qui subissons quotidiennement la loi des séries.

Vous aussi, vous avez sans doute dans votre ordi des séries qui pourrissent, qui se languissent d’être visionnées. Vous aussi, lorsque vous devez décider du programme de la soirée, vous faites semblant de réfléchir, et pour faire plaisir à ces œuvres autrefois tant aimées, vous passez lentement la souris sur leurs titres avant de vous jeter inexorablement sur « Vikings » et « Revolution », qui devraient arrêter de faire les malignes car le purgatoire n’est jamais bien loin.

Hormis les comédies et sitcoms, et selon la Sainte Trinité de mes séries préférées (Six Feet Under, The Wire et Breaking Bad), la bonne durée de vie d’une série est de cinq saisons. Malheureusement, succès oblige, certaines ne respectent pas cet état de fait et n’en finissent plus de finir. En voici quelques unes, anciennes ou récentes.

-X-Files : Trop de mystère tue le mystère. Chris Carter l’avait pourtant juré dans de nombreuses interviews que nous, les boutonneux des années 90, épluchions avec ferveur : « Je sais où je vais, rassurez-vous, vous saurez tout en temps voulu de la conspiration entre le gouvernement américain et les aliens » (in Télé Poche du 1^er mars 1996). Malheureusement, à part découvrir avec stupéfaction que l’Homme à la Cigarette était directement responsable des assassinats de JFK et MLK(???!!!), on n’a pas vu grand-chose venir. On a surtout vu Mulder partir, un épisode sur deux, remplacé par le T-1000. J’ai laissé tomber à ce moment-là mais j’ai vu plus tard un extrait du tout dernier épisode, dans lequel l’Homme à la Clopinette (encore lui) semble vivre reclus comme un chaman dans une grotte qu’un vaisseau extra-terrestre vient exploser sans vergogne. Puis on voit Mulder et Scully dans une chambre, exactement comme dans une des premières scènes du pilote de la série où il lui disait croire aux petits hommes verts, sauf qu’il lui annonce cette fois qu’il ferait peut-être mieux de croire en Dieu comme elle. Bref du grand n’importe quoi.

-Urgences : Se faire faire NFS, Chimi, Iono, les gaz du sang et 2cc de O2 pendant 15 ans, ce n’est plus de l’addiction mais du masochisme. Enorme succès à rallonge, Urgences a logiquement vu ses scénaristes finir aux soins palliatifs, reliés à l’encéphalogramme plat du soap-opera. Pour moi, le point de non-retour fut atteint avec la mort du Dr Green. Simplement parce que l’acteur Anthony Edwards a lâché la série pour se lancer au cinéma (une réussite d’ailleurs, hé hé hé), on se venge en lui filant une tumeur au cerveau, au lieu d’une paisible retraite au bord d’un lac comme son ancien pote le Dr Ross et sa « good wife ». C’est mesquin. Je n’ai jamais regretté de ne pas avoir suivi les dernières saisons, surtout quand j’ai appris l’arrivée de John Stamos de La Fête à la Maison. Avec Stamos dans l’équipe, c’est un coup à voir débarquer au bloc oncle Joey imitant un castor lors d’une opération à cœur ouvert…

-Grey’s Anatomy : Dans la lignée de la chute d’Urgences. Vous me direz, c’était déjà un soap à la base. Oui mais un soap plutôt malin, drôle, sexy et enlevé. Puis Grey’s a sombré dans les travers de la série de Michael Crichton : tumeur au cerveau, fusillades à gogo, accidents malheureux et la mort de George carrément pompée sur celle du binôme du Dr Carter. Quant à l’horripilant personnage fantôme Denny Duquette, c’est l’un des pires jamais écrit dans une série.

-Prison Break : Contrairement aux séries précédentes, il n’a pas fallu beaucoup de saisons à Prison Break pour être interminable. Seulement deux. Un vrai tour de force. Un succès planétaire brisé en un rien de temps pour une raison assez facile à comprendre finalement : ils n’auraient pas dû s’évader dès la fin de la première saison. Certes la cavale aurait pu être intéressante. Après tout, les personnages restent prisonniers non plus d’une institution pénitentiaire mais du territoire américain. Sauf que toute la tension, brillamment accumulée au cours du premier acte, s’est faite la malle en même temps que les protagonistes. Quand les scénaristes décident d’enfermer à nouveau tout ce petit monde pour la saison 3, il est déjà trop tard. Le reste n’est qu’idioties et…tumeur au cerveau bien sûr.

-Dexter : Oui je sais, on l’aime bien Dexter. Sauf qu’il commence sérieusement à radoter. Tout ce qui était fascinant chez ce personnage, son cheminement intérieur, son incompréhension des sentiments, ses accès de violence compulsive, tout cela s’est dilué au fur et à mesure dans un honnête polar, pour peu que le méchant saisonnier soit réussi. Le plus regrettable, c’est que toutes les facettes de l’histoire sont là pour faire évoluer notre gentil serial killer, pour qu’il se questionne sur sa nature humaine mais il ne le fait jamais tout à fait et finit par se reposer les mêmes questions la saison suivante. Après la mort de Rita, Dexter a sans doute manqué son renouvellement. On aurait aimé qu’il taille la route, comme c’était son intention initiale, au lieu de retourner à son train-train quotidien. Bref, heureusement qu’il y a Debra et surtout heureusement que la prochaine saison sera la dernière !

-Californication : Duchovny, deuxième ! Là encore, les qualités indéniables de cette série se sont émoussées au fil du temps. La provoc’ sexe, drogue et rock ‘n’ roll s’est banalisée, la relation contrariée entre Karen et Hank nous indiffère désormais et le schéma reste invariablement le même : chaque saison, Hank doit se relancer en pondant un truc pour une légende du rock (ou, attention variante, du rap), chaque saison il s’engueule avec son ex et sa fille, chaque saison il a l’occasion de changer de vie et chaque saison il replonge. Comme pour Dexter, un tournant a été manqué, après le procès de Hank, lorsque trois ans s’écoulent entre deux saisons. Las, cette ellipse n’a apporté aucun changement chez le personnage qui se traîne douloureusement vers un ultime acte que l’on appelle de tous nos vœux.

-Weeds : Pour tout vous dire, c’est Weeds qui est à l’origine de ce petit billet. Impossible de terminer la dernière saison. C’est une véritable torture de lancer un épisode, alors qu’il ne m’en reste que six à regarder. Je ne peux pas non plus compter sur l’appui de ma femme puisqu’elle ressent la même chose que moi. Le plus dingue, c’est que Weeds est sans doute la meilleure série de cette sélection, et si on m’avait dit lors des premières saisons que j’aurais autant de mal à voir la fin, je n’y aurais pas cru. Comment une série qui faisait preuve d’autant de finesse, d’humour, d’intelligence et de liberté de ton à ses débuts, peut-elle susciter autant d’indifférence à l’heure de sa conclusion ? Le début de la fin a sans doute été le départ d’Agrestic. Si les deux saisons suivantes ont été encore à la hauteur, la fuite en avant perpétuelle des personnages a entraîné leur perte, au sens où ils ont perdu leur vitalité fictionnelle, se sont vidés de leur substance, ont abandonné leurs caractères profonds pour ne garder que des caractéristiques superficielles. En fait, ils sont devenus les caricatures des merveilleux personnages qu’ils incarnaient, en grande partie à cause du bégaiement des intrigues qui progressent en pilotage automatique. Nancy est insupportable, Andy souffre du « syndrome Chandler » (il est l’ombre de lui-même depuis qu’il est en couple), Doug ne sert plus à rien, l’acteur qui joue Silas a grandi et, ô surprise, n’est en fait pas un acteur, etc. Bref, alors qu’on aurait dû avoir la gorge qui pique et les yeux rouges (normal pour la fin d’un joint) à l’idée de quitter cette petite troupe, on s’en est allé avant la fin, histoire de voir si l’herbe n’était finalement pas plus verte ailleurs…

Clone triste

Marginale et orpheline, Sarah est témoin du suicide d'une femme. Après réflexion, elle décide de prendre l'identité de cette dernière, qui lui ressemble étonnamment. Elle découvre qu'elles sont en fait deux clones, que d'autres existent et sont la cible d'un tueur qui tente de les éliminer une à une.

Série moyenne d’origine canadienne, Orphan Black pourrait être le clone d’une bonne série : elle en a l’apparence mais pas la profondeur. Du moins pour l’instant. Il faudra encore quelques épisodes pour consolider l’impression plus que mitigée laissée par ce pilote diffusé il y a quelques jours aux Etats-Unis.

Pourtant ça partait plutôt bien. La scène inaugurale, sur le quai d’une gare, nous plonge immédiatement dans le vif du sujet. La jolie Sarah (Tatiana Maslany, clone d’Alyson Hannigan de Buffy et How I Met Your Mother) assiste au suicide d’une femme lui ressemblant comme deux gouttes d’eau. La mise en scène, habile, joue sur la symétrie pour introduire le thème du double : Sarah, intriguée par cette femme, s’approche d’elle en zigzaguant de gauche à droite en passant devant des poteaux situés dans l’axe du quai. Malin. Puis la femme saute, Sarah emporte son sac à main et s’enfuit. Voilà une entrée en matière accrocheuse.

Malheureusement tout se délite ou presque par la suite. La faute à un récit mené grossièrement sans aucun souci de réalisme. Entendons-nous bien, par réalisme j’entends savoir-faire permettant de rendre crédible une situation, même irréaliste. Toutes les invraisemblances peuvent être crédibles si elles sont traitées avec un tant soit peu de réalisme. Ce n’est pas le cas ici. Sarah découvre sa « nouvelle »  identité et s’en accommode avec une aisance confondante (vous me direz, c’est le thème, mais quand même!), elle parvient à se faire passer pour morte avec l’aide de son complice gay comme un escadron de pinsons, pour échapper à son petit ami dealer de coke qui passe de la colère à la tristesse avec la subtilité d’un bûcheron sous amphèt’. La fuite en avant de Sarah fait se dévider petit à petit ce pilote de sa substance potentiellement intrigante. Tout semble traité par-dessus la jambe et empêche un semblant d’approche psychologique pour des personnages caricaturaux réduits à l’état de pions scénaristiques.

Bon tout n’est pas à jeter non plus. Deux scènes amusantes s’extirpent du marasme. Celle où Sarah doit rapidement  trouver un subterfuge pour échapper à un interrogatoire dans un commissariat de police er surtout celle où le petit ami de la suicidée a des doutes sur ladite petite amie (qui est en fait Sarah, vous suivez ?), doutes qui s’évaporent immanquablement quand Sarah lui saute dessus et le chevauche sur la table de la cuisine ! Aaah les hommes…

Bien entendu cela ne suffit pas et le pilote s’achève carrément dans le ridicule quand Tatiana Maslany tente vainement d’incarner un troisième clone à l’accent allemand aussi indigeste qu’une double ration de choucroute. Pour trouver un équivalent français à cette imitation remarquable, il faut sans doute remonter aux inoubliables interprètes d’officiers allemands dans la trilogie de La 7^ème Compagnie.

En bref, traits grossiers, humour involontaire, pas assez fun pour distraire, pas assez profond pour se creuser les méninges, Orphan Black manque surtout cruellement d’âme et d’une identité forte. Ce qui ne manque pas de sel pour une série sur des clones…

La note: 2/5

Petit Gervais

Les tribulations comico-neurasthéniques d’un Warwick Davies de fiction dans un mockumentaire acide qui en a dérangé plus d’un outre-Manche. La recette éprouvée de Ricky Gervais et Stephen Merchant fonctionne encore mais aurait peut-être tournée à vide sans le talent de l’interprète principal et les réactions/réflexions entraînées par sa prestation kamikaze.

Mon avis: Quiconque avait une petite dizaine d’années en 1988, lorsque Willow de Ron Howard est sorti au cinéma, garde un souvenir ému et une tendre affection pour le personnage de Willow Ufgood, interprété par Warwick Davies, acteur « de petite taille », ancien Ewok pour George Lucas dans Le retour du Jedi et récent professeur de magie dans Harry Potter. C’est donc avec un plaisir nostalgique que nous le retrouvons dans le rôle principal de la dernière comédie en date de Ricky Gervais (avant Derek à la fin du mois), d’autant que Davies est à la base du projet. L’auteur et son comparse Stephen Merchant se sont en effet inspirés des anecdotes de l’acteur sur les préjugés, maladresses et parfois malveillances des gens, quand ils sont confrontés à son nanisme, pour créer cette série qui explose allègrement les barrières verbales et physiques du politiquement correct. Dans un refus catégorique de tout angélisme et de tout manichéisme, ils bombardent Davies, comme un nain dans un jeu de quille, dans un monde tordu fait de méchancetés et d’humiliations au sein duquel l’acteur lui-même est une raclure comme les autres. Le message est limpide: appelons un nain un nain, ce sont des êtres humains comme les autres, ils ont donc le droit d’être cons comme tout le monde.

Certains critiques anglais ont trouvé la prestation de Warwick Davies dégradante. Il est vrai qu’il se fait copieusement insulté, se casse la gueule régulièrement, est obligé de porter un costume d’ours pour « faire l’Ewok » dans un mariage et est plongé dans la cuvette des toilettes par un Johnny Depp totalement déjanté. Mais il n’y a rien de dégradant dans ces scènes. Au contraire, il s’agit d’une immense preuve de respect envers les qualités d’acteur et les qualités d’homme de Davies. Quelle libération cela a dû être pour lui de tourner ces scènes et quelle libération pour le téléspectateur de pouvoir en rire avec lui! Le pouvoir de l’humour, même noir, et celui de la provocation, même borderline, sont rassembleurs par opposition à une quelconque diplomatie de façade entre les êtres, dont les formules imposées finissent par diviser et catégoriser. C’est, à mon sens, le credo de la série. Récemment, dans une interview pour son dernier film qui évoque l’esclavage, Quentin Tarantino disait, en substance, que les films délirants de série B issus de la Blaxploitation avait beaucoup plus servi la cause Noire et aidé à débloquer les mentalités que n’importe quelle autre film académique « sérieux » sur la question. Gervais et Merchant épousent cette théorie. Faire exulter le corps et le verbe de Warwick Davies avec un respect irrévérencieux, en bonne intelligence avec tous les participants, fait plus bouger les choses qu’un respect poli unilatéral et creux.

Mais ce personnage permet aussi aux auteurs de poursuivre leur réflexion sur la soif inextinguible de succès. A ce titre, Life’s too short pourrait très bien être la fin d’une trilogie évolutive sur la question. Dans The Office, le personnage principal se prend pour un comique de stand up au bureau et va tenter vainement de percer dans le showbiz et d’avoir du succès. Dans l’extra Extras, Andy Millman est déjà acteur et va obtenir ce succès (même contrarié). Quant à la « version tordue » (twisted version dixit Gervais) de Warwick Davies, elle a connu le succès par le passé avant de sombrer lentement dans l’anonymat et disparaître de la mémoire collective. La boucle est bouclée. Qui plus est, la série est un mélange formel des deux précédentes : le mockumentaire de la première associé à l’univers glauque des coulisses du showbiz, peuplé de guests bien allumés, de la deuxième.

D’où cette impression de déjà-vu et de relatif manque d’originalité. On le sait, Gervais ne sait créer qu’un seul type de personnage, celui qui parvient à faire ressentir au téléspectateur à la fois de l’empathie et de l’antipathie (le salaud entouré de plus salauds que lui). Il le reconnait lui-même puisqu’il le fait dire à Johnny Depp, dans une scène de bashing particulièrement drôle. Mais il est quand même difficile de faire la fine bouche puisque, pour le moment, le plaisir est toujours intact. Après tout, pourrait-on reprocher à Louis de Funès de n’avoir créée qu’un seul rôle pour tous ses films ? Ou Woody Allen ? Cela parait absurde. Ajoutons que les stars invitées jouent le jeu de l’autodépréciation avec un enthousiasme jubilatoire et que les seconds rôles sont tous savoureux, du comptable incapable à l’assistante dégénérée qui conseille à Davies de se reconvertir en appât pour pédophiles!  Profitons donc de cette série plus courte que les autres (seulement sept épisodes), à l’instar de son titre et de son interprète, et attendons son final, à la manière du désormais fameux Christmas Special, qui doit avoir lieu cette année.

Le Roi se meurt

Créée par Farhad Safinia, « Boss » est sans conteste la série la plus fascinante de cette saison 2011-2012 et sans doute l’une des meilleures de ces dernières années, même si cela demande confirmation car il n’y a pour l’instant que huit épisodes. Mais quels épisodes !

L’histoire débute lorsque Tom Kane apprend brutalement qu’il est atteint d’une maladie neurodégénérative, les Corps de Lewi, sorte de mélange entre Alzheimer et Parkinson, qui entraîne rapidement la démence et l’atrophie physique. Au bout de cinq ans c’est plié. Problème pour Kane, je veux dire autre que celui de mourir aussi rapidement et dans des conditions atroces, il est le maire de la troisième ville la plus puissante des Etats-Unis : Chicago. Commence alors, pour le téléspectateur, une plongée sidérante dans les arcanes du pouvoir avec son lot de magouilles, de trahisons, de mensonges, de séductions, de manipulations et autres réjouissances masquées par un art (un abus ?) consommé de la communication. C’est dans ce maelström peu ragoûtant qu’émerge lentement la maladie de Kane, finalement seule trace tangible d’une humanité qui a depuis longtemps laissée sa place à ce que l’on appelle « l’animal politique ». De l’omnipotence à l’impotence, que peut faire un roi qui a attrapé la lèpre ?   

La maladie comme point de départ d’une série, ce n’est pas nouveau, et cela a déjà donné lieu à un chef d’œuvre, « Breaking bad ». Mais contrairement au personnage de Walter White, Tom Kane a mal tourné bien avant d’être malade et n’est plus très blanc depuis longtemps. Pour accéder au pouvoir, on devine qu’il a dû faire pas mal de compromis, idéologiques bien sûr, mais aussi familiaux (sa fille junkie rejetée). La pratique de ce pouvoir, et ses sombres coulisses, nous sont dévoilées avec un réalisme glacial et glaçant, sans cynisme ni roublardise - rien n’est souligné ni appuyé - afin que le téléspectateur soit seul juge. Les événements présentés, si « extraordinaires » soient-ils, sont vécus par les personnages de manière tout à fait ordinaire, ce qui est très impressionnant, voire même flippant.

« Boss » est une approche de la politique moderne, qui n’a en réalité de moderne que ses aspects technologiques et stratégiques. Gouverner c’est communiquer. Mais une communication a sens unique, du haut vers le bas. L’homme politique n’interroge que des sondages puis abreuve le peuple d’images, de discours et de vraies/fausses rumeurs afin de tourner et retourner l’opinion publique en sa faveur, par le biais des médias et désormais des réseaux sociaux. Pour le reste, la série montre bien que les codes et la hiérarchie politiques s’inspirent toujours de l’archétype féodal. Outre les nombreuses occurrences verbales relatives à la royauté, ainsi que le superbe générique de la série « Satan, your kingdom must come down » de Robert Plant, on peut dire que Tom Kane est le roi de Chicago, qu’il a ses vassaux (les « chefs » de quartier), que des traîtres veulent s’emparer de son trône, que son conseiller principal est comme une éminence grise, qu’il prend sous son aile puis met littéralement à genoux un chevalier blanc dont la pureté et l’honnêteté vont peu à peu s’étioler (le candidat Zajac), sans parler des méthodes violentes, du droit de cuissage, etc. Finalement la seule différence, c’est que ses sujets votent…

Le contre-champ de la volonté de puissance sans vergogne de Kane se situe paradoxalement au sein même de ce qui propage cette puissance : les médias. A travers le personnage du journaliste d’investigation intègre qui enquête sur Tom Kane, « Boss » réactualise le cauchemar politique ultime gravé à jamais dans l’inconscient collectif américain (et donc mondial) : le scandale du Watergate (« 24 h chrono » l’avait déjà grossièrement repris avec le personnage du Président Logan) . Il est vrai que Richard Nixon aura au moins légué deux choses importantes au monde de la fiction : son second prénom au personnage de Milhouse dans « Les Simpson » et le scandale du Watergate, véritable mine scénaristique pour les thrillers politiques de ces quarante dernières années. Le journaliste en question veut faire tomber Kane, d’abord en suspectant une possible maladie puis en couvrant un scandale de santé publique étouffé par la Mairie. Un informateur secret va l’y aider. Il y a bien entendu une référence à Deep Throat (« Gorge Profonde », la source anonyme du Washington Post sur le Watergate) mais le pseudonyme de celui de « Boss » est « Rosebud », clin d’œil astucieux au « Citizen Kane » d’Orson Welles, ce qui laisse entendre que la quête du journaliste pourrait se muer en fascination pour le personnage de Kane, fascination qui l’entraînerait à céder lui aussi à certains compromis (cf. fin de la saison)… A noter que ce journaliste, même si c’est pour les besoins de son enquête, est le seul (hormis le candidat Zajac en campagne) à dialoguer réellement avec les « gens de la rue », ce qui souligne le retranchement du pouvoir politique dans le Xanadu/City Hall, uniquement relié au monde par l’intermédiaire d’écrans de télévision.

Cette vision à la fois sombre et lucide de l’exercice du pouvoir est déjà une réussite. Mais elle est en plus sublimée par une mise en scène ambitieuse sans être trop ostentatoire, exactement comme le propos de la série. La grâce discrète au lieu de la lourdeur suggestive. Il faut dire que le pilote est réalisé par Gus Van Sant (également co-producteur) et que ses mouvements de caméra éthérés offrent dès le départ un écrin quasi mystique aux trames narratives sur les affres politiques de la ville de Chicago. Et contrairement à d’autres séries bénéficiant d’un grand nom du cinéma pour leur pilote (par exemple « Luck » avec Michael Mann), la qualité de la réalisation ne faiblit dans les épisodes suivants, comme si une charte de mise en scène émise par GVS avait été respectée par les autres réalisateurs au talent plus modeste comme Mario Van Peebles (oui oui le fameux « Sonny Spoon » que Bernard Montiel nous refourguait le samedi après-midi sur TF1 !). Au programme : caméra portée voire flottante, sens aigu du cadre, photo grisâtre classieuse, montage parallèle, plans-séquences ludiques, travellings en plongée « à la De Palma », etc. Et puis il y a une idée visuelle, c’est le cas de le dire, que l’on retrouve, il me semble, dans tous les épisodes comme une sorte de gimmick esthétique : les gros plans sur les yeux des personnages. Cela n’a l’air de rien dit comme ça mais, dans un milieu où le mensonge et le paraître règnent, ces occurrences oculaires sont des échappatoires offrant de rares moments de vérité et d’honnêteté. En partant du principe bien connu que le regard est le reflet de l’âme, alors la vérité de l’œil s’oppose à la maîtrise mensongère du corps. Beaucoup de personnages ont l’air prisonnier de leur corps : les politiques bien sûr qui soignent leur image et règlent leur « body language », mais aussi l’assistante de Kane quasiment figée dans son tailleur, sa femme et son sourire de façade, le candidat Zajak et ses allures de golden boy. Mais quand leurs yeux parlent, tout explose et la vérité éclate… Cela illustre bien l’enjeu auquel doit faire face le Maire Kane. A cause de la maladie, son corps ne pourra bientôt plus mentir et il n’aura plus que ses yeux pour pleurer. La course contre la montre est engagée et tous ses efforts pour corriger son image (les caméras dans son bureau) seront bientôt vains.

Cette mise en scène remarquable est soutenue par une BO tout aussi réussie, composée par Brian Reitzell, collaborateur régulier de Sofia Coppola. Comme dans les films de la réalisatrice, on retrouve cet aspect évanescent, en apesanteur, créant ainsi une véritable osmose avec l’esthétique visuelle évoquée plus haut. Il faut souligner également la présence de la musique d’Erik Satie dans chaque épisode (là encore une belle volonté d’homogénéiser l’ensemble), en particulier les « Gnossiennes », qui confèrent à la série une dimension délicatement métaphysique et permet, là aussi, de prendre de la hauteur vis-à-vis du petit jeu de massacre politique.

Pour finir, je ne dirai rien sur l’interprétation parce qu’elle est parfaite, Kelsey Grammer et Martin Donovan en tête, par contre je voudrais évoquer un parallèle saisissant (du moins je l’ai ressenti comme tel) entre fiction et réalité. Je ne sais pas si c’est parce que j’ai vu le dernier épisode peu de temps après le deuxième tour de notre élection présidentielle… Toujours est-il que le discours de défaite de Nicolas Sarkozy ressemble un peu à celui du candidat vaincu dans la série, surtout dans cette espèce de dignité surjouée, avec même des phrases quasiment similaires (« je veux lui souhaiter bonne chance » en parlant du vainqueur, « je reste à vos côtés mais d’une manière différente », je cite de mémoire). J’exagère sans doute (encore que l’entourage de Sarkozy se soit beaucoup inspiré du modèle américain pour ses différentes campagnes) et il est fort probable que les conseillers de Sarko n’ont pas vu « Boss ». Il n’empêche, cette ressemblance troublante met en valeur la pertinence de la série et prouve que cette dernière colle à la vision désenchantée du monde politique que partage un certain nombre de citoyens, je ne parle pas des extrémistes, mais de ceux qui ont appris à se méfier et à remettre en cause la culture de l’Image et de la Communication.

La série est diffusée sur Starz aux Etats-Unis. Pas encore en France...